Nikolai Rimsky-Korsakov · sección 4 de 100

A. Instrumentos de cuerda

La siguiente es la composición del cuarteto de cuerda y el número de ejecutantes necesario en las orquestas actuales, tanto en el teatro como en la sala de conciertos.

| Orquesta completa | Orquesta mediana | Orquesta pequeña
Violines I | 16 | 12 | 8
" II | 14 | 10 | 6
Violas | 12 | 8 | 4
Violonchelos | 10 | 6 | 3
Contrabajos | 8-10 | 4-6 | 2-3

En las orquestas mayores, los primeros violines pueden llegar a 20 e incluso a 24, aumentando proporcionalmente las demás cuerdas. Pero tal cantidad de cuerdas domina a la sección habitual de maderas y obliga a reforzarla. A veces las orquestas tienen menos de 8 primeros violines; esto es un error, pues destruye por completo el equilibrio entre cuerdas y vientos. Al escribir para orquesta conviene contar con una sección de cuerdas de tamaño medio. Interpretada por una orquesta mayor, la obra se escuchará con más ventaja; interpretada por una menor, el perjuicio será mínimo.

Siempre que se escriba un grupo de cuerdas a más de cinco partes —sin contar dobles cuerdas ni acordes—, el número de partes puede aumentarse dividiendo cada una en dos, tres, cuatro o incluso más secciones (divisi). Generalmente se divide una o varias de las partes principales: primeros o segundos violines, violas o violonchelos. Los ejecutantes se distribuyen entonces por atriles: los números 1, 3, 5, etc. tocan la parte superior, y los números 2, 4, 6, etc., la inferior; o bien el músico situado a la derecha de cada atril toca la línea superior y el de la izquierda, la inferior. La división en tres es menos fácil, pues el número de ejecutantes de un grupo no siempre es divisible por tres, de donde nace la dificultad de obtener el equilibrio adecuado. No obstante, hay casos en que el compositor no debe vacilar en emplear este método de división de las cuerdas, dejando al director la tarea de asegurar la igualdad sonora. Siempre conviene indicar en la partitura cómo debe dividirse el pasaje: Vlns. I, atriles 1, 2, 3; 6 violonchelos div. à 3, etc. La división en cuatro o más partes es rara, pero puede emplearse en pasajes piano, pues reduce mucho el volumen sonoro del grupo de cuerdas.

Nota. En las orquestas pequeñas, los pasajes subdivididos en muchas partes son muy difíciles de realizar y el efecto obtenido nunca es el deseado.

Las partes de cuerda pueden dividirse así:

a | { | Vlns. I div. Vlns. II div. | b | { | Vlns. II div. Violas div. | c | { | Violas div. Violonchelos div. | d | { | Violonchelos div. Contrabajos div.

Otras combinaciones posibles, menos frecuentes, son:

e | { | Vlns. I div. Violas div. | f | { | Vlns. II div. Violonchelos div. | g | { | Violas div. Contrabajos div. etc.

Nota. Es evidente que el timbre será semejante en b y e. Sin embargo, b es preferible, pues el número de Vlns. II (14-10-6) y de violas (12-8-4) es prácticamente el mismo, las funciones respectivas de ambos grupos están más estrechamente relacionadas y, además, los segundos violines suelen sentarse más cerca de las violas que los primeros, lo que garantiza mayor unidad de potencia y ejecución.

El lector encontrará toda clase de divisiones en los ejemplos musicales del vol. II. Cuando sea necesario, se explicará oportunamente el método de dividir las cuerdas. Me detengo aquí en el asunto para mostrar cómo puede modificarse la composición habitual del cuarteto de cuerda.

Los instrumentos de cuerda poseen más maneras de producir sonido que cualquier otro grupo orquestal. Pueden pasar, mejor que los demás instrumentos, de un matiz expresivo a otro, con infinitas variedades. Los tipos de golpe de arco, como legato, separado, staccato, spiccato, portamento, martellato, staccato ligero, saltando, ataque en el talón y en la punta, arco abajo y arco arriba (arco abajo y arco arriba), en todos los grados sonoros, fortissimo, pianissimo, crescendo, diminuendo, sforzando, morendo: todo ello pertenece al dominio natural del cuarteto de cuerda.

El hecho de que estos instrumentos puedan tocar dobles cuerdas y acordes completos sobre tres y cuatro cuerdas —sin hablar de la subdivisión de las partes— les confiere un carácter tanto melódico como armónico.[7]

Desde el punto de vista de la agilidad y flexibilidad, el violín ocupa el primer lugar entre los instrumentos de cuerda; le siguen, por este orden, la viola, el violonchelo y el contrabajo. En la práctica, las notas del límite extremo del cuarteto de cuerda deberían fijarse así:

para los violines: Música: A7, para las violas: Música: A7,

para los violonchelos: Música: A4, para los contrabajos: Música: G4.

Las notas más agudas indicadas en la tabla A solo deben utilizarse con prudencia, es decir, cuando sean de larga duración, en tremolando, en melodías lentas y fluidas, en sucesiones de escalas no demasiado rápidas y en pasajes de notas repetidas. Siempre deben evitarse los saltos.

Nota. En los pasajes rápidos para instrumentos de cuerda, las figuras cromáticas largas nunca son apropiadas; resultan difíciles de tocar y suenan imprecisas y confusas. Es preferible confiarlas a las maderas.

Debe fijarse un límite al uso de notas agudas en cualquiera de las tres cuerdas inferiores de violines, violas y violonchelos. Dicho límite debe ser la nota de la cuarta posición, ya sea la octava o la novena de la cuerda al aire.

La nobleza, la calidez y la uniformidad sonora de un extremo a otro de la escala son cualidades comunes a todos los instrumentos de cuerda y los hacen esencialmente superiores a los instrumentos de otros grupos. Además, cada cuerda tiene un carácter propio, difícil de definir con palabras. La cuerda superior del violín (Mi) es brillante; la de la viola (La) es más incisiva y ligeramente nasal; la cuerda más aguda del violonchelo (La) es luminosa y posee un timbre de «voz de pecho». Las cuerdas de La y Re del violín y la de Re de violas y violonchelos tienen un sonido algo más dulce y débil que las demás. Las cuerdas entorchadas (Sol) del violín y (Sol y Do) de la viola y del violonchelo son bastante ásperas. En general, el contrabajo tiene una resonancia uniforme en toda su extensión, algo más apagada en las dos cuerdas inferiores (Mi y La) y más penetrante en las superiores (Re y Sol).

Nota. Salvo en el caso de las notas pedal, el contrabajo rara vez toca una parte independiente; suele moverse en octavas o al unísono con los violonchelos, o duplicar los fagotes. Por tanto, el timbre del contrabajo rara vez se oye solo y el carácter de sus distintas cuerdas no resulta tan perceptible.

La singular capacidad de enlazar sonidos o series de sonidos, la vibración de las cuerdas pisadas, unidas a las cualidades antes citadas —calidez y nobleza sonora—, hacen de este grupo de instrumentos, con gran diferencia, el mejor medio orquestal de expresión melódica. Al mismo tiempo, la parte de su extensión situada más allá de los límites de la voz humana, por ejemplo, las notas del violín superiores a la nota más aguda de la soprano, desde

Música: E6

hacia arriba, y las notas del contrabajo inferiores a la extensión de la voz de bajo, descendiendo desde

Música: D3 (sonido escrito)

pierden expresión y calidez sonora. Las cuerdas al aire son más claras y potentes, pero menos expresivas que las cuerdas pisadas.

Si comparamos la extensión de cada instrumento de cuerda con la de la voz humana, podemos asignar al violín las voces de soprano y contralto más una extensión mucho más aguda; a la viola, las voces de contralto y tenor más un registro mucho más agudo; al violonchelo, las voces de tenor y bajo más un registro superior; y al contrabajo, la voz de bajo más una extensión inferior.

El uso de armónicos, de la sordina y de ciertos procedimientos especiales del arco produce grandes diferencias en la resonancia y el timbre de todos estos instrumentos.

Los armónicos, utilizados frecuentemente hoy, alteran de manera muy apreciable el timbre de un instrumento de cuerda. Fríos y transparentes en los pasajes suaves, fríos y brillantes en los fuertes, y con escasas posibilidades expresivas, no constituyen una parte fundamental de la escritura orquestal y se emplean simplemente como adorno. Debido a su escasa potencia de resonancia, deben utilizarse con moderación y, cuando se empleen, nunca deben quedar dominados por otros instrumentos. Por regla general, los armónicos se usan en notas sostenidas, en tremolando o, aquí y allá, para efectos brillantes; rara vez se emplean en melodías sumamente sencillas. Por cierta afinidad tímbrica con la flauta, puede decirse que forman una especie de enlace entre los instrumentos de cuerda y los de madera.

Otro cambio radical se obtiene mediante las sordinas. Con sordina, el sonido claro y cantable de las cuerdas se vuelve apagado en los pasajes suaves y se convierte en un leve siseo o silbido en los fuertes; el volumen sonoro siempre disminuye considerablemente.

La posición del arco sobre la cuerda afecta a la resonancia del instrumento. Tocar con el arco cerca del puente (sul ponticello), procedimiento utilizado sobre todo en tremolando, produce un sonido metálico; tocar sobre el diapasón (sul tasto, flautando) crea un efecto apagado y velado.

Nota. Tocar con el dorso o la madera del arco (col legno) produce otro sonido totalmente distinto, semejante al de un xilófono o a un pizzicato hueco. Se trata bajo el epígrafe de los instrumentos de escasa capacidad de sostener el sonido.

Tabla A. Grupo de cuerdas. (Estos instrumentos producen todos los intervalos cromáticos.) Tabla A [Ampliar] Las líneas negras de cada cuerda indican la extensión general en la escritura orquestal; las líneas de puntos señalan los registros grave, medio, agudo y sobreagudo.

Las cinco secciones de cuerda, con el número de ejecutantes indicado arriba, producen un equilibrio sonoro bastante uniforme. Si ha de existir algún exceso de potencia, debe corresponder a los primeros violines, pues han de oírse claramente por la importancia de su función en el conjunto armónico. Además, todas las orquestas suelen contar con un atril adicional de primeros violines y, por regla general, estos poseen un sonido más potente que los segundos. Estos últimos, junto con las violas, desempeñan una función secundaria y no destacan tanto. Los violonchelos y contrabajos se oyen con mayor claridad y, en la mayoría de los casos, forman el bajo en octavas.

En conclusión, puede decirse que el grupo de cuerdas, como elemento melódico, es capaz de ejecutar toda clase de pasajes y frases rápidas e interrumpidas de cualquier tipo, de carácter diatónico o cromático. Capaz de sostener notas sin dificultad y de tocar acordes de tres y cuatro notas, adaptado a la infinita variedad de matices expresivos y fácilmente divisible en numerosas partes distintas, el grupo de cuerdas de una orquesta puede considerarse un elemento armónico particularmente rico en recursos.